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李夜冰：借古开今的国画大家
李夜冰，1931年生，河北省井陉县人。中国美术家协会会员、中央文史研究馆书画院研究员、中央书画艺术研究院名誉院长、山西省文学艺术家协会顾问、山西省名人联合会名誉副会长、山西省海外联谊会理事、山西大学客座教授、山西省人民政府文史馆馆员。
20世纪40年代起开始参加解放区的美术工作。曾任过民教馆员、政府干部、教师、战地宣传队队员等，从事美术创作70年。青年时代调中国革命博物馆工作有幸在罗工柳、董希文、石鲁、程十发、关山月等大师教诲下学习和创作。对油画、版画、年画、工艺美术、舞台美术等各艺术领域，都进行过深入的研究和实践。几十年来足迹遍及祖国各地，深入生活搜集素材，写生了数以万计的作品。随即有计划地出访世界五大洲40多个国家的100多座重点城市进行艺术考察，创作异国风光作品200多幅，作品在继承传统的基础上吸收外来艺术优长，更加丰富了自己的绘画语言。
1986年出访英国举办展览;1989年率领太原市艺术家代表团访问日本并举办展览;自1992年以来先后在中国香港、中国澳门、新加坡、日本、美国等地举办个人画展并进行艺术交流及讲学活动; 2009年首次在国内太原举办“李夜冰从艺60年画展”;2010年在山西大学美术馆举办“李夜冰写生画展”;2013年在中国美术馆举办“彩墨情韵——李夜冰画展”。 作品多次参加全国及国际展览并多次获奖，《胜景银装》《美在和谐》等多幅作品被国务院紫光阁等国家重点单位收藏，《天涯咫尺》陈列在英国纽卡斯尔议会厅，《愿和平之花遍全球》曾在纽约联合国总部展出并收藏。 出版有《李夜冰素描集》《李夜冰国画集》《彩墨五洲——李夜冰世界五大洲中国画作品集》《李夜冰画集》《中国近现代名家画集——李夜冰》《李夜冰文集》等。新近中央数字书画频道五集连播“李夜冰和他的中国画新六法”专题片。 多年的创作实践逐步形成了自己的绘画语言，并在绘画理论上进行探讨、研究、升华，发表多篇理论文章并总结出中国画新六法： 以色代墨见其笔;色墨混用求其韵;线面结合含其骨;疏密得当观其势;有法无法取其度;有笔无笔重其神。
癸巳年甲子月，中国美术界的最高殿堂——中国美术馆，迎来了一位在画坛上孜孜耕耘了七十余载的国画大家，他就是享誉三晋、蜚声海内外的著名国画家李夜冰先生。先生的百余幅巨作在国家美术馆的殿堂里熠熠生辉，先生在艺术道路上辛勤耕耘的履迹，也在一幅幅生动鲜活的画作中逐渐还原和清晰。这些画作凝结着先生的心血，彩墨飞舞之间流淌着先生对哲学的洞见和对生命的思索、以及他对生活的无限眷爱和深刻感悟。
流连于中国美术馆偌大的展厅，驻足在李先生的画作前，眼前不时闪现出先生七十载从艺路上的光与景，这里展出的每一幅画都嵌着岁月的痕迹，都是先生真情实感的流露。先生的画作奉献给我们的是一种高层次的美的享受。这种美不是轻浮跳跃之美，而是一种横亘于天地之间的大美。他的画作实际上是一种文学艺术的创作，就像一个作家写文章一样，胸怀万千气象，布局宏阔广大，立意高远;用笔潇洒飘逸，事物刻画精细、深刻，又灵秀生动。
在先生展出的众多画作中，一幅题为《岁月波涛》的作品吸引住了我的目光。在双眸凝视画作之际，我的思绪幻化成了滚滚的波涛，在画作中自由地穿棱和游移，一种大气磅礴之美令我的心境在霎时间豁然开朗，一种超越时空的美感，瞬时袭遍全身，令我如痴如醉，仿佛整个身体都置身在画作之中。稍倾，我已无法分清自己是画中人，还是观画者，那种神思在现实与画境中游弋、灵魂在画内画外行走的的感觉，是对身体与心灵的一次彻彻底底的洗涤。先生的画让我忘却了一切，忘却了世间的恩怨情仇，忘却了世俗生活中所有的东西;先生的画，似乎又勾起了我对似水年华的记忆，多少青丝染白雪、不复韶华负流年，匆匆而逝的岁月，有许许多多的往事值得品味和回望。然而，此刻让所有的一切都静止下来吧，只须让我静静地伫立在先生的画作之前，让自己的心与先生的心灵触碰，在滚滚向前的岁月波涛中去感悟和思索，去体会绘画大师带给我们的奇特的艺术之美。
李夜冰先生出生在上世纪三十年代。从一个蹒跚学步的孩子，成为一个令人仰幕的大家，先生在数十年的耕耘中，经历了太多的坎坷和磨难，当然，也收获了用汗水浇铸的硕果。一路走来，先生有太多的感触要向世人倾诉，有太多的回忆令先生魂牵梦绕，有太多的往事令先生在千转百回、百回千转中静心回味，默默相思。我不知道先生在回望往昔时是否有过轻声地叹息，但从先生的画作中我能感受到，笔下的山水人物，一定触动过先生心灵中最柔软的地方。几十年前，一个身材瘦小的男孩，用天真烂漫的心情打量着这个世界，穿梭在太行山深处的的乡间小道上，挥手之间，透出了一种纯朴的美。数十年后，虽已物是人迁，但他依然不能忘情，依然不能忘掉童年的风景，这是压在先生心底的一种相思，一种对故乡的土地、对故乡人的浓浓相思。先生此前创作的许多作品，都在向人们娓娓讲述着他曾经的故事，每一幅画作里，深藏着先生的思念之情，深藏着先生的爱与恨和对一去不返的美好时光的追忆。回望先生曾经创作过的太行民居及其一系列作品，我深深地体会到了这一点。画中的点滴笔墨都折射着先生的影子，在优美的风光里深刻地展示着一种不为人知的凄婉的美，繁华的背后，悄然地凝固着先生的过去。江山如画的美景，对先生而言，有着更深的寓意。
先生经历丰富，足迹曾经踏遍了祖国的千山万水。但无论何时何地，最美的依然是家乡的山水。赴中国美术馆参观之前，我曾欣赏过先生的《太行风情》系列作品。这些作品中，先生把老区百姓不屈不挠、坚不可摧的革命意志，化作笔下高耸千倾的巍巍太行山，绘制出了一幅幅红色太行的宏篇巨作，其笔下的每一块岩石仿佛都浸透着先辈的热血。太行山的景致是任何一个地方都不曾拥有的景致，太行山的雄奇壮观是任何一个地方都不曾拥有的奇特。他凭借对太行山的深刻体验，把这座大山的的美丽和她蕴含的革命精神巧妙地融为一体，在充分表现太行的峻奇之美的同时，以高亢的笔调，讴歌了不屈不挠的太行精神。这种坚强不屈的精神，在先生的《童年的无字碑》画作中也得到了展现。正如先生所言：《童年的无字碑》这幅画的构图无边无沿地占满了画面，使人感到堵塞，透不过气来。而画的下部，有一片在狂风暴雨中摇动着的小草小花。这些花草在风雨中毅然挺立，昭示着一种坚强无比的奋斗精神。先生说，这些花草一定会打破这沉闷的环境，见到光明，长得枝繁叶茂，开放出鲜艳的花朵，让本该属于它们自己的世界变得更加艳丽。这些傲然于风雨的花草，不正是先生童年时代历经艰辛和磨难的真实写照吗?它流露出的是先生错综复杂的的心情，它不是无字碑，而是如泣如诉的告白。在洗尽铅华、获得身心的自由之后，回望逝去的童年，先生找到了童年的位置，《童年的无字碑》彰示着先生顽强不屈、坚韧不拨、勇于冲破藩篱，最终走向光明的坚定信念。
“荷”是先生钟爱的生灵。在先生七十多年的艺术生涯中，荷花是他画的较多的一个题材。在中国美术馆里，我与先生笔下千姿百态的荷作，第一次有了零距离地接触。一幅主题为《夏浓》的画作中，生趣盎然的荷塘中满布着千万朵姿容俏丽的荷花，她们在层层叠叠的荷叶簇拥下，在清亮的池水中由远及近地铺展开来，一眼望不到尽头。花是那样的艳，叶子是那样的绿，朵朵荷花在层叠相间的荷叶之间，或举或藏，或开或闭，舒缓自然，浑然天成，野趣横生，令人幻生出无限的遐想。远处的天空与满塘清新艳丽的“荷”相映相溶，极其自然地将诗人杨万里笔下“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红”的诗意刻画的淋漓尽致。诗人杨万里是借助西湖美景来表达对友人林子方的眷恋，而李夜冰先生的画作则情真意切地舒发了对现实生活的无限热爱。那一爿矗立在荷塘之中的草棚和结队嬉戏于水中的家禽，不露声色地表达了先生对美好生活的眷恋，看似平静的画面，给人留下的是回味无穷的艺术意境。
在先生众多的荷作中，有一幅“大地胸怀”的荷作曾令我思索良久。这幅画作中，大朵的荷花弯下了有力的茎干，在浓淡变化的笔墨下，弯下腰身的茎干依然显得枯润有致，不失弹性;残荷匍匐在黝黑的池泥上，深深地亲吻着曾哺育了自己的“母亲”。而池泥中的莲实则裸露在外，一幅荷香散尽莲藕丰收的景象。整个画面虚实相间、层次分明，挥写自然，灵气四动，令人思索，令人回味。残荷中牵带出一股淡淡的伤感，伤感中又透出一种自然的安详。我觉得包括先生在内，无论多么潇洒的人，面对这样一幅画作，触景生情，都会生发一丝“菡萏香销翠叶残，西风愁起绿波间。还与韶光共憔悴，不堪看”的愁绪。荷花落尽了，香气消散了，虽然是莲藕丰收的时节，但是再多的收获也无法阻挡人们对荷花盛开、荷香四溢的美好时节的回忆。景物的凋残，折射出的是美好年华的流逝，丰收的喜悦里，满藏着昔日奋斗的泪水。观画之时，李商隐“暮秋独游曲江”的诗句悄然跃上了我的心头：“荷叶生时春恨生，荷叶枯时秋恨成; 深知身在情长在，怅望江头江水声。 ”我深知，先生的每一幅作品都是有感而发的作品，其背后的故事比之生动活泼的画面更加丰富而有诗意。
先生的绘画之路走的是一条中西融合的艺术探索之路。画展中，许多画作都是他在国外生活时的所见所闻。长时间在异国他乡生活和学习，中西文化在他的心灵中碰撞出了艺术的火花，他的心胸变得更加广阔和宽广，他的思想变的更加开放和包容。在超越半个多世纪的艺术探索和创作实践中，他将中西文化的思想，有意识地融入到自己的绘画之中，并创造性地提出了“以色代墨见其笔，色墨混用求其韵，线面结合含其骨，疏密得当观其势，有法无法取其度，有笔无笔重其神”的中国画新六法。先生站在美术理论的高度上，为中国绘画艺术的发展开辟了一条全新的路子。其“古为今用”、“洋为中用”、“中西合璧”、“今古贯通”的绘画风格和观点鲜明、独树一帜的绘画理论，为中国画的发展打开了一扇通向未来的的窗。
清代著名国画大家石涛有句名言：“ 君子惟借古以开今也”。石涛先生主张向前人学习，以“先受而后识也”。但他同时又提出：学习前人的技能之目的是为了创新即“开今”。他说：“我之为我，自有我在，古之须眉不能生在我之面目，古之肺腑不能安入我之腹肠。我自发我之肺腑，揭我之须眉。”这些精粹的语言将“继承与创新”的观点得以尽情阐释，也把一个画家的至高境界通过极其通俗的语言传神地表达了出来。由此，“借古开今”便成了诸多画家孜孜以求的目标。然而在画家之中，师古者众，能“开今”者却寥寥，能使二者达到高度统一者，必为开一代画风之大家。
李夜冰先生就是这样的一位大家。他继承和发展并丰富了中国画的创作理论，打破了一些束缚中国画发展的条条框框，破除了陈旧的桎梏，为后来者开辟了一条全新的国画创作路径。
生活中的李夜冰先生，是一位德高望重的长者。画如其人，人画合一，李先生的人品与画风达到了高度的和谐与统一。数十年来，他置身闹市而远离世俗，在纷繁喧嚣之中营造着一个画家的小天地。诗人屈原为了表达自己不与世俗同流合污的决心，彰示自己高洁的品质，留下了“制芰荷以为衣兮，集芙蓉以为裳”的千古名句，李先生为了表达同样的心境，创作了“出淤泥”的荷作：几束洁白的荷花，高耸着躯干，以挺拔的身姿傲然于淤泥之上，其高洁之风令人肃然起敬。此时此刻，我突然想起了元代著名画家倪瓒的《六君子图》，图上六株古木“正直特立”，暗喻了倪瓒高尚的君子之风。李先生的画作《出淤泥》与倪瓒的《六君子图》有异曲同工之妙。先生用笔墨把自己超脱飘逸的内心世界，一览无余地呈现给了观众。
先生以高尚的品格创作出了影响时代的画作，也为中国美术理论添上了浓墨重彩的一笔。在步出中国美术馆之际，我想起了曹植的名篇： “览百卉之英茂, 无斯华之独灵;结修根于重壤, 泛清流而灈茎。”诗人赞颂的莲花不正是先生洁身守志，在画坛上勤奋不辍、默默耕耘七十余载的生动写照吗?
(作者王俊闳，资深媒体人，文化学者;山西省人民政府参事室研究员;以笔名兼任多家知名媒体特约评论员;历任省级及国家级媒体记者、新闻部主任、副总编辑(兼)等职)
（责任编辑：谭娟）
（注：本文转自雅昌艺术网）
注：本站上发表的所有内容，均为原作者的观点，不代表合肥文产网的立场，也不代表合肥文产网的价值判断。
20世纪40年代起开始参加解放区的美术工作。曾任过民教馆员、政府干部、教师、战地宣传队队员等，从事美术创作70年。青年时代调中国革命博物馆工作有幸在罗工柳、董希文、石鲁、程十发、关山月等大师教诲下学习和创作。对油画、版画、年画、工艺美术、舞台美术等各艺术领域，都进行过深入的研究和实践。几十年来足迹遍及祖国各地，深入生活搜集素材，写生了数以万计的作品。随即有计划地出访世界五大洲40多个国家的100多座重点城市进行艺术考察，创作异国风光作品200多幅，作品在继承传统的基础上吸收外来艺术优长，更加丰富了自己的绘画语言。
1986年出访英国举办展览;1989年率领太原市艺术家代表团访问日本并举办展览;自1992年以来先后在中国香港、中国澳门、新加坡、日本、美国等地举办个人画展并进行艺术交流及讲学活动; 2009年首次在国内太原举办“李夜冰从艺60年画展”;2010年在山西大学美术馆举办“李夜冰写生画展”;2013年在中国美术馆举办“彩墨情韵——李夜冰画展”。 作品多次参加全国及国际展览并多次获奖，《胜景银装》《美在和谐》等多幅作品被国务院紫光阁等国家重点单位收藏，《天涯咫尺》陈列在英国纽卡斯尔议会厅，《愿和平之花遍全球》曾在纽约联合国总部展出并收藏。 出版有《李夜冰素描集》《李夜冰国画集》《彩墨五洲——李夜冰世界五大洲中国画作品集》《李夜冰画集》《中国近现代名家画集——李夜冰》《李夜冰文集》等。新近中央数字书画频道五集连播“李夜冰和他的中国画新六法”专题片。 多年的创作实践逐步形成了自己的绘画语言，并在绘画理论上进行探讨、研究、升华，发表多篇理论文章并总结出中国画新六法： 以色代墨见其笔;色墨混用求其韵;线面结合含其骨;疏密得当观其势;有法无法取其度;有笔无笔重其神。
癸巳年甲子月，中国美术界的最高殿堂——中国美术馆，迎来了一位在画坛上孜孜耕耘了七十余载的国画大家，他就是享誉三晋、蜚声海内外的著名国画家李夜冰先生。先生的百余幅巨作在国家美术馆的殿堂里熠熠生辉，先生在艺术道路上辛勤耕耘的履迹，也在一幅幅生动鲜活的画作中逐渐还原和清晰。这些画作凝结着先生的心血，彩墨飞舞之间流淌着先生对哲学的洞见和对生命的思索、以及他对生活的无限眷爱和深刻感悟。
流连于中国美术馆偌大的展厅，驻足在李先生的画作前，眼前不时闪现出先生七十载从艺路上的光与景，这里展出的每一幅画都嵌着岁月的痕迹，都是先生真情实感的流露。先生的画作奉献给我们的是一种高层次的美的享受。这种美不是轻浮跳跃之美，而是一种横亘于天地之间的大美。他的画作实际上是一种文学艺术的创作，就像一个作家写文章一样，胸怀万千气象，布局宏阔广大，立意高远;用笔潇洒飘逸，事物刻画精细、深刻，又灵秀生动。
在先生展出的众多画作中，一幅题为《岁月波涛》的作品吸引住了我的目光。在双眸凝视画作之际，我的思绪幻化成了滚滚的波涛，在画作中自由地穿棱和游移，一种大气磅礴之美令我的心境在霎时间豁然开朗，一种超越时空的美感，瞬时袭遍全身，令我如痴如醉，仿佛整个身体都置身在画作之中。稍倾，我已无法分清自己是画中人，还是观画者，那种神思在现实与画境中游弋、灵魂在画内画外行走的的感觉，是对身体与心灵的一次彻彻底底的洗涤。先生的画让我忘却了一切，忘却了世间的恩怨情仇，忘却了世俗生活中所有的东西;先生的画，似乎又勾起了我对似水年华的记忆，多少青丝染白雪、不复韶华负流年，匆匆而逝的岁月，有许许多多的往事值得品味和回望。然而，此刻让所有的一切都静止下来吧，只须让我静静地伫立在先生的画作之前，让自己的心与先生的心灵触碰，在滚滚向前的岁月波涛中去感悟和思索，去体会绘画大师带给我们的奇特的艺术之美。
李夜冰先生出生在上世纪三十年代。从一个蹒跚学步的孩子，成为一个令人仰幕的大家，先生在数十年的耕耘中，经历了太多的坎坷和磨难，当然，也收获了用汗水浇铸的硕果。一路走来，先生有太多的感触要向世人倾诉，有太多的回忆令先生魂牵梦绕，有太多的往事令先生在千转百回、百回千转中静心回味，默默相思。我不知道先生在回望往昔时是否有过轻声地叹息，但从先生的画作中我能感受到，笔下的山水人物，一定触动过先生心灵中最柔软的地方。几十年前，一个身材瘦小的男孩，用天真烂漫的心情打量着这个世界，穿梭在太行山深处的的乡间小道上，挥手之间，透出了一种纯朴的美。数十年后，虽已物是人迁，但他依然不能忘情，依然不能忘掉童年的风景，这是压在先生心底的一种相思，一种对故乡的土地、对故乡人的浓浓相思。先生此前创作的许多作品，都在向人们娓娓讲述着他曾经的故事，每一幅画作里，深藏着先生的思念之情，深藏着先生的爱与恨和对一去不返的美好时光的追忆。回望先生曾经创作过的太行民居及其一系列作品，我深深地体会到了这一点。画中的点滴笔墨都折射着先生的影子，在优美的风光里深刻地展示着一种不为人知的凄婉的美，繁华的背后，悄然地凝固着先生的过去。江山如画的美景，对先生而言，有着更深的寓意。
先生经历丰富，足迹曾经踏遍了祖国的千山万水。但无论何时何地，最美的依然是家乡的山水。赴中国美术馆参观之前，我曾欣赏过先生的《太行风情》系列作品。这些作品中，先生把老区百姓不屈不挠、坚不可摧的革命意志，化作笔下高耸千倾的巍巍太行山，绘制出了一幅幅红色太行的宏篇巨作，其笔下的每一块岩石仿佛都浸透着先辈的热血。太行山的景致是任何一个地方都不曾拥有的景致，太行山的雄奇壮观是任何一个地方都不曾拥有的奇特。他凭借对太行山的深刻体验，把这座大山的的美丽和她蕴含的革命精神巧妙地融为一体，在充分表现太行的峻奇之美的同时，以高亢的笔调，讴歌了不屈不挠的太行精神。这种坚强不屈的精神，在先生的《童年的无字碑》画作中也得到了展现。正如先生所言：《童年的无字碑》这幅画的构图无边无沿地占满了画面，使人感到堵塞，透不过气来。而画的下部，有一片在狂风暴雨中摇动着的小草小花。这些花草在风雨中毅然挺立，昭示着一种坚强无比的奋斗精神。先生说，这些花草一定会打破这沉闷的环境，见到光明，长得枝繁叶茂，开放出鲜艳的花朵，让本该属于它们自己的世界变得更加艳丽。这些傲然于风雨的花草，不正是先生童年时代历经艰辛和磨难的真实写照吗?它流露出的是先生错综复杂的的心情，它不是无字碑，而是如泣如诉的告白。在洗尽铅华、获得身心的自由之后，回望逝去的童年，先生找到了童年的位置，《童年的无字碑》彰示着先生顽强不屈、坚韧不拨、勇于冲破藩篱，最终走向光明的坚定信念。
“荷”是先生钟爱的生灵。在先生七十多年的艺术生涯中，荷花是他画的较多的一个题材。在中国美术馆里，我与先生笔下千姿百态的荷作，第一次有了零距离地接触。一幅主题为《夏浓》的画作中，生趣盎然的荷塘中满布着千万朵姿容俏丽的荷花，她们在层层叠叠的荷叶簇拥下，在清亮的池水中由远及近地铺展开来，一眼望不到尽头。花是那样的艳，叶子是那样的绿，朵朵荷花在层叠相间的荷叶之间，或举或藏，或开或闭，舒缓自然，浑然天成，野趣横生，令人幻生出无限的遐想。远处的天空与满塘清新艳丽的“荷”相映相溶，极其自然地将诗人杨万里笔下“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红”的诗意刻画的淋漓尽致。诗人杨万里是借助西湖美景来表达对友人林子方的眷恋，而李夜冰先生的画作则情真意切地舒发了对现实生活的无限热爱。那一爿矗立在荷塘之中的草棚和结队嬉戏于水中的家禽，不露声色地表达了先生对美好生活的眷恋，看似平静的画面，给人留下的是回味无穷的艺术意境。
在先生众多的荷作中，有一幅“大地胸怀”的荷作曾令我思索良久。这幅画作中，大朵的荷花弯下了有力的茎干，在浓淡变化的笔墨下，弯下腰身的茎干依然显得枯润有致，不失弹性;残荷匍匐在黝黑的池泥上，深深地亲吻着曾哺育了自己的“母亲”。而池泥中的莲实则裸露在外，一幅荷香散尽莲藕丰收的景象。整个画面虚实相间、层次分明，挥写自然，灵气四动，令人思索，令人回味。残荷中牵带出一股淡淡的伤感，伤感中又透出一种自然的安详。我觉得包括先生在内，无论多么潇洒的人，面对这样一幅画作，触景生情，都会生发一丝“菡萏香销翠叶残，西风愁起绿波间。还与韶光共憔悴，不堪看”的愁绪。荷花落尽了，香气消散了，虽然是莲藕丰收的时节，但是再多的收获也无法阻挡人们对荷花盛开、荷香四溢的美好时节的回忆。景物的凋残，折射出的是美好年华的流逝，丰收的喜悦里，满藏着昔日奋斗的泪水。观画之时，李商隐“暮秋独游曲江”的诗句悄然跃上了我的心头：“荷叶生时春恨生，荷叶枯时秋恨成; 深知身在情长在，怅望江头江水声。 ”我深知，先生的每一幅作品都是有感而发的作品，其背后的故事比之生动活泼的画面更加丰富而有诗意。
先生的绘画之路走的是一条中西融合的艺术探索之路。画展中，许多画作都是他在国外生活时的所见所闻。长时间在异国他乡生活和学习，中西文化在他的心灵中碰撞出了艺术的火花，他的心胸变得更加广阔和宽广，他的思想变的更加开放和包容。在超越半个多世纪的艺术探索和创作实践中，他将中西文化的思想，有意识地融入到自己的绘画之中，并创造性地提出了“以色代墨见其笔，色墨混用求其韵，线面结合含其骨，疏密得当观其势，有法无法取其度，有笔无笔重其神”的中国画新六法。先生站在美术理论的高度上，为中国绘画艺术的发展开辟了一条全新的路子。其“古为今用”、“洋为中用”、“中西合璧”、“今古贯通”的绘画风格和观点鲜明、独树一帜的绘画理论，为中国画的发展打开了一扇通向未来的的窗。
清代著名国画大家石涛有句名言：“ 君子惟借古以开今也”。石涛先生主张向前人学习，以“先受而后识也”。但他同时又提出：学习前人的技能之目的是为了创新即“开今”。他说：“我之为我，自有我在，古之须眉不能生在我之面目，古之肺腑不能安入我之腹肠。我自发我之肺腑，揭我之须眉。”这些精粹的语言将“继承与创新”的观点得以尽情阐释，也把一个画家的至高境界通过极其通俗的语言传神地表达了出来。由此，“借古开今”便成了诸多画家孜孜以求的目标。然而在画家之中，师古者众，能“开今”者却寥寥，能使二者达到高度统一者，必为开一代画风之大家。
李夜冰先生就是这样的一位大家。他继承和发展并丰富了中国画的创作理论，打破了一些束缚中国画发展的条条框框，破除了陈旧的桎梏，为后来者开辟了一条全新的国画创作路径。
生活中的李夜冰先生，是一位德高望重的长者。画如其人，人画合一，李先生的人品与画风达到了高度的和谐与统一。数十年来，他置身闹市而远离世俗，在纷繁喧嚣之中营造着一个画家的小天地。诗人屈原为了表达自己不与世俗同流合污的决心，彰示自己高洁的品质，留下了“制芰荷以为衣兮，集芙蓉以为裳”的千古名句，李先生为了表达同样的心境，创作了“出淤泥”的荷作：几束洁白的荷花，高耸着躯干，以挺拔的身姿傲然于淤泥之上，其高洁之风令人肃然起敬。此时此刻，我突然想起了元代著名画家倪瓒的《六君子图》，图上六株古木“正直特立”，暗喻了倪瓒高尚的君子之风。李先生的画作《出淤泥》与倪瓒的《六君子图》有异曲同工之妙。先生用笔墨把自己超脱飘逸的内心世界，一览无余地呈现给了观众。
先生以高尚的品格创作出了影响时代的画作，也为中国美术理论添上了浓墨重彩的一笔。在步出中国美术馆之际，我想起了曹植的名篇： “览百卉之英茂, 无斯华之独灵;结修根于重壤, 泛清流而灈茎。”诗人赞颂的莲花不正是先生洁身守志，在画坛上勤奋不辍、默默耕耘七十余载的生动写照吗?
(作者王俊闳，资深媒体人，文化学者;山西省人民政府参事室研究员;以笔名兼任多家知名媒体特约评论员;历任省级及国家级媒体记者、新闻部主任、副总编辑(兼)等职)
（责任编辑：谭娟）
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